Rôzne

Barbara Ghisi - umelkyňa - jej diela

Barbara Ghisi - umelkyňa - jej diela


UMENIE A ŽIVOTNÉ PROSTREDIE

Barbara Ghisi, diela

Vodnár

«Morské dno, predstavenie ponorených a neznámych svetov, predstavuje miesta duše. Každá práca je introspektívnou cestou pri hľadaní vlastného ja ».Názov: Vodnár
Technika: Olejomaľba na plátne
Rozmery: 100 x 120 cm
Rok: 2011

POZRI SA NA ĎALŠIE PRÁCE BARBARY GHISI

Ak ste umelci a chcete publikovať svoje diela na tomto webe, napíšte na adresu [email protected]


Kto bola Barbara Hepworthová

Barbara Hepworthová bola anglická umelkyňa preslávená predovšetkým sochami, ktoré boli považované za prvé abstraktné diela v histórii anglického umenia. Dnes je Barbara Hepworthová spoločnosťou Google oslavovaná sviatočným logom, pretože 25. augusta 1939, pred osemdesiatim jedným rokom, sa presťahovala do St. Ives, malého mesta na južnom pobreží Anglicka, kde si vybudovala vlastné štúdio a zvyšok jej života.

Barbara Hepworth sa narodila vo Wakefielde v západnom Yorkshire v roku 1903. Jej otec bol inžinier a umožnil jej študovať a najskôr získať štipendium na Leeds School of Art a potom na Royal College of Art v Londýne. V tom čase sa Barbara Hepworthová naučila novú techniku ​​pre svoju dobu: priame vyrezávanie zvoleného materiálu bez toho, aby stavala prípravné modely. V roku 1924 sa vydala za umelca Johna Skeapinga, s ktorým zostala prepojená až do roku 1931. V roku 1932 nadviazala vzťah s maliarom Benom Nicholsonom, s ktorým absolvovala niekoľko ciest po Európe, počas ktorých prišla do styku s umením Mondriana Braquesa. , Picasso a Brancusi.

Corinthos, dielo Barbary Hepworthovej vystavené na Tate v Liverpoole, 1954-1955 (Wikimedia Commons)

Hepworth čerpal inšpiráciu od týchto umelcov a v 30. rokoch sa začal venovať abstraktným formám a získal si medzinárodnú slávu: v roku 1950 reprezentoval svoj národ na bienále v Benátkach, v roku 1959 získal prvú cenu na bienále San Paolo a v roku 1965 retrospektíva jeho práce v holandskom múzeu Kröller-Müller.

Napriek tomu, že dokázala hrať dôležitú úlohu vo svete, v ktorom dominujú muži, Barbara Hepworthová nikdy nebola feministickým militantom, ani vo svojich dielach neskúmala rodové úlohy. Počas svojho umeleckého života jednoducho požiadala, aby s ňou bolo zaobchádzané ako sochárom, a nie ako sochárom. Webové stránky londýnskej Tate Modern sumarizujú význam jeho umeleckej produkcie nasledovne: «Aj keď to súvisí s formami a abstrakciou, Hepworthovo umenie sa primárne zaoberá vzťahmi: nielen medzi dvoma formami stojí vedľa seba, ale medzi ľudskou postavou a okolitou krajinou, medzi farbou a kompozíciou a predovšetkým medzi ľuďmi na individuálnej a sociálnej úrovni ».


ROBERTA DIAZZI - KRYŠTÁLNE SNY

Zanini Arte vás s radosťou pozýva na nasledujúcej Vernisáži z OSOBNÁ VÝSTAVA z ROBERTA DIAZZI, KRYŠTÁLNE SNY upravené používateľom BARBARA GHISI. Podujatie sa bude konať SOBOTA 18. NOVEMBRA o 18.00 h v galérii Galleria di VIA VIRGILIO 7 a SAN BENEDETTO PO (MN), s patronátom obce San Benedetto Po.

Galleria Zanini Arte má to potešenie a česť usporiadať vo svojich sálach výstavu „Crystal Dreams“ od Roberty Diazzi, čerstvého držiteľa ceny „Leone d'oro“ na veľkej galavečeri Arte Cinema e Impresa od Fondazione Mazzoleni ako začínajúceho umelca 2017. Robertina umelecká poetika bola vždy založená na obojsmernom vzťahu medzi objektom a konceptom, spočiatku blízkom jazyku amerického pop-artu, ktorý sa následne transformuje použitím certifikovaných kryštálov Swarovski s rôznymi priemermi, ktoré dodávajú energiu a silu k zloženiu. Dlhý výskum materiálov a ich nekonečných možností viedol umelca k vývoju originálneho, expresívneho a syntetického jazyka, prostredníctvom ktorého dáva život a formu myšlienkam a úvahám. V dielach Roberty Diazzi je všetko ladne zvážené a vzácne. Je to vzácnosť, ktorá sa hrá v únii medzi starodávnou akciou založenou na výrobe ďaleko od hektickej doby súčasného sveta a samotnými dielami. Diela, ktoré sa javia ako viditeľné svedectvo vitálnej vášne, starostlivo spracované v každom razení udelenom kryštálom, každej povrchovej variácii, ktorá zaujíma presné miesto pri vytváraní harmonického celkového skóre. Prechádzajúc rukami umelca, tuhosť kameňa Swarvoski ožíva, nadobúda tvar, premieňa sa na jemné teplo kriviek, kľukatých špirál, ktoré formujú postavy zvieracieho sveta, alebo obrázky, ktoré hovoria o prežitých životoch. Duša sugestívneho a intenzívneho žiarenia, ktoré diela ukazujú, keď sú zasiahnuté svetlom, ako odhalenie skrytej vitality, skryté a pripravené explodovať s chromatickou silou nadprirodzeného vzhľadu. Maľovanie krištáľmi má Roberta Diazzi podporovať nepretržitý a neprerušovaný tvorivý tok: reflexia vyniká na priehľadnosti plexiskla ako neočakávaný obraz, čo nám pripomína, že sa necháme tlačiť vzduchom fantázie.

Elegancia a kultivovanosť umeleckého diela.

Umelecká a výstavná cesta, ktorú Roberta Diazzi urobila za pár rokov, je prekvapujúca. Ale ešte prekvapivejšie sú ciele, ktoré modenský umelec dosiahol meritokraciou z vlastných zdrojov. Pozoruhodná je dôslednosť, s akou v priebehu času sledoval osobný štýl, pričom rôznil materiály a témy vyobrazených predmetov. Niektorí kritici tvrdia, že dejiny umenia sú tvorené postupnosťou jazykov a jazykov, z ktorých vychádzajú osamelé skúsenosti inovatívnych umelcov. Prispievajú k pôvodnému prínosu nových techník a štýlov, ktoré však nie sú ľahko interpretovateľné alebo dosiahnuteľné, a zostávajú jedinečné z hľadiska dosiahnutej inovácie a kvality. To je prípad Roberty Diazzi! Jeho diela, ktoré sa na prvý pohľad môžu zdať jednoduché, sú namiesto toho výsledkom hľadania drahých a drahých materiálov, ktoré nie sú ľahko dostupné pre každého, a z tohto dôvodu sú vyhľadávané aj najbohatšími a najnáročnejšími zákazníkmi. Kompenzovať toho nepokojného a súčasného ducha spoločnosti, ktorá vždy kladie nové túžby a čoraz viac zosilňuje sny. Ich elegantné a zložité usporiadanie v práci potom vychádza z dlhoročných skúseností, obohatených a zdokonalených krok za krokom. Swarovski kryštály rôznych veľkostí a farieb sú absolútnymi protagonistami jeho prestížnych diel. Od roku 2011 tieto vzácne fazetové a reflexné materiály tvoria jeho výtvory. S mierami v rozmedzí od 4 do pol milimetra v priemere, aby boli schopné pokryť aj najmenšie priestory spracovávaného povrchu, sa rozpadnú a odrážajú svetlá a farby, čo dáva subjektom vibrácie a živosť. Ku každému dielu je priložený aj certifikát pravosti kryštálov Swarovski. Svetlo je nevyhnutné pre potešenie z práce. Ak je priamy alebo dotyčnicový, vytvára odlesky alebo tiene, ktoré upravujú videnie, zvýrazňujúc pohyblivosť a dynamiku foriem. Obraz je potom integrovaný a doplnený osobnou citlivosťou a vnímaním. Jej diela prežívajú rôzne pasáže: fotografický obraz, ktorý umelkyňa rozkladá, aby kreslila kresby, ktorým sama pripisuje hry svetla a tmy, výrazné farby a jemné farby, hry tieňov a svetla. Výkresy sa potom prenesú mäkkou ceruzkou od ruky na podperu. Aj povrch, na ktorý sa nanášajú kryštály, je výsledkom dlhého hľadania materiálov, aby sa zvýšila ich vzácnosť na n-tý stupeň. Toto je čierne plexisklo. Lesklé dosky, ktoré zvyšujú svetelný a tonálny lom svetla až do bodu opätovného vytvorenia druhého odrazeného diela. Duša ukrytá medzi temnotou a svetlom, ktorá sa vynára na základe polohy pozorovateľa. Prekrývajúce sa a viaczmyslové významy preto pre diela, ktoré sa dajú okrem videnia aj dotknúť. A cez dotyk, ako svetlo, vstúpte do duše diváka. Výskum, elegancia a profesionalita preto odlišujú prácu tohto umelca, pokorného a jednoduchého v jeho bytí, ale húževnatého a vytrvalého v jeho cieľoch. Vychádzajúc z pevných základov špecializácie v grafických technikách, ktoré dosiahla na umeleckom inštitúte „Venturi“ vo svojom meste, dokázala pomocou komunikačnej bezprostrednosti znamenia využiť techniku ​​pop-artu. Eleganciu obrazov, či už farebných, alebo odtiene šedej medzi bielou a čiernou. Potešenie z estetického videnia, ktoré sa spája s bezprostrednosťou predstavovaného subjektu, zachovávajúc si exkluzívny charakter jedinečného umeleckého diela. Nie je náhoda, že ľudia kalibru Luciana Pavarottiho alebo členovia rodiny Ferrari chceli portrét jeho ruky. A portréty tohto umelca presahujú rámec psychologických údajov a poskytujú nám ľudské a realistické obrazy podriadené potrebe formy. Slávna monacká princezná Caroline uznala a odmenila zdokonalenie Diazziho diel, pričom jedno zo svojich diel si nechala pre seba. Ale nielen! Prestíž tohto umelca bola uznaná aj v zámorí, a to tak, že čínska prvá dáma Peng Liyuan chcela jej portrét, ktorý je úplne prepracovaný s 4800 kryštálmi Swarovski. Nasledujúce národné a medzinárodné veľtrhy umenia videli jej protagonistu. Na zavŕšenie tohto dôležitého záväzku jej v septembri 2017 v Benátkach udelila nadácia Mazzoleni „Zlatého leva ako nastupujúceho umelca 2017“. Preto, ak sa na prvý pohľad môže Roberta Diazzi javiť ako čisto dekoratívna umelkyňa, ako dôkaz opaku existuje hĺbka cesty, ktorá má svoje korene v skúsenostiach so súčasným, inteligentným a citlivým tvorivým duchom, určeným k obnove. neustále skúmať v umení maximálny expresívny náboj.

Umelec

Roberta Diazzi je modenská umelkyňa, absolvovala umelecký inštitút A. Venturiho s grafickým pozadím v reklame. Počíta s nespočetnou spoluprácou s významnými galériami, talianskymi i zahraničnými, prítomných na monackom území a v neďalekom Lugane. Zúčastnil sa na rôznych veľtrhoch v Európe, na ázijskom území: Hongkong, Soul, Singapur a v Amerike: Miami a New York, Petrohrad. Jeho olejomaľba sa vyznačuje a podpísať vďaka čomu sú jeho diela exkluzívne, ale jeho umelecká zvláštnosť spočíva v použití státisícov certifikovaných kryštálov Swarovski rôznych priemerov nanesených na zvyčajne čierne podpery, ktoré sú nevyhnutné pre zvýšenie lesku, svetla a farieb kryštálov. Nie obrazy, ale mozaiky kalibrovaného a vystrihnutého svetla, ktoré dodajú figúrkam energiu a silu. Umelec sa inšpiruje postmoderným umením, ktoré možno pripísať pôvodnej štylistickej revízii odvodenej z komiksu Roya Lichtensteina a pop-artu Andyho Warhola, ktorý vnucoval „nevyhnutnosť“ svojich portrétov VIP svojej doby. Maliar získal dôležité zákazky od slávnych talianskych rodín vrátane rodiny Ferrari, rodiny Montezemolo a samotného Luciana Pavarottiho. Jeho umenie je už niekoľko rokov veľmi vyhľadávané aj v zahraničí: v Monackom kniežatstve vystavuje princezná Caroline vo svojom kráľovskom štúdiu dielo „l'œvre pop de Monaco“. Ako poslední v chronologickom poradí, ale nie podľa dôležitosti, si pamätáme portrét Peng Liyuana, ktorý je zaradený medzi najdôležitejšie diela v súkromnej zbierke čínskej prvej dámy. Dnes je Diazzi po boku známych tvárí svetského života lemovaný dôležitými hviezdami, ktoré riskujú nebezpečenstvo zabudnutia. Môžeme ju definovať ako „zvieraciu maliarku“, jej portréty v skutočnosti reprodukujú divoké, kráľovské a divoké zvieratá, ktoré sa pozerajú smerom k roztržitému divákovi. Väzni rámov, ukazujú, kráčajú a lietajú k nám, ktorí sledujeme, ako ich vymazávame z ich sveta. Umenie je potreba a potrebou Roberty Diazzi je vniesť ich rev do nášho svedomia.

VSTUP ZADARMO

Facebook: Galéria umenia Zanini Arte


Od pasty k feminizmu: kto je Barbara Kruger a čo urobila pre práva žien

Pri príležitosti Svetového dňa boja proti násiliu na ženách si znovu prečítame príbeh amerického umelca: dnes je stále referenčným bodom pre umenie nasadené v prospech občianskych práv

The New York Times nedávno zvolený Barbara Kruger medzi Veľkými hrozbami roka, vložením medzi päť najvplyvnejších postáv roku 2020 - spolu s FKA Twigs, Dawoud Bey, Angelou Davis a Sigourney Weaver. Keď myslíme na Barbara Krugerten tvoj okamžite príde na myseľ Opera známejší: „Bez názvu (vaše telo je batterground)“. Písal sa rok 1989 a svet kráčal pod očami jedného žena ktorého tvár na polceste medzi realitou a vlastnou polarizáciou dominovala washingtonskej krajine. Ženy pochodovali ulicami hlavného mesta Spojených štátov amerických proti protipotratovej legislatíve, na ktorom sa videli politickí súboji Roe a Wade zoradení. Medzitým červené pruhy na tvári Krugera povedali: „Vaše telo / je / bojisko“.

Revolučný a večný so svojimi vlastnými plagáty Barbara Krueger premenil múry New Yorku na tabule aktívnej komunikácie. Napokon „steny nie sú len také, aké sú. Sú tiež také, aké by sme ich chceli mať: podpora nádejí, ochrana súčasnosti“ - vložiť to do Sottsassu. V rovnakých rokoch sa mesto začali zbierať vizionársky výkrik: a New YorkVďaka pomoci svojich študentov v Nezávislom študijnom programe Whitney Museum of American Art, Barbara Kruger o niekoľko mesiacov neskôr dokumentovala mesto svojím manifestom, Wexnerovo centrum umenia na Ohio State University ju poverilo vyhotovením väčšej verzie. Ju plagát ikonograficky to bolo tak spojené s bojom proti umelému prerušeniu tehotenstva, že v priebehu 12 hodín zavesila protichodná skupina inú skupinu, ktorá zobrazovala osemtýždňový plod. Už na začiatku Deväťdesiate roky, Barbara Kruger sa stalumelec-ikona práv žien. A nikdy to neprestalo byť. Pretože aj v pomerne nedávnej minulosti Kruger podpísal obálku New York Magazine pri príležitosti voľby bývalého prezidenta Spojených štátov: sme v roku 2016 a tvár Donalda Trumpa na titulnej strane športuje neúctivé slová „porazený“ - protest proti početným misogynistické tvrdenia vydané americkým magnátom.

Za posledných dvadsať rokovKrugerova práca rozrástla sa do tej miery, že obklopila návštevníkov celými miestnosťami galérií a múzeí, a to prostredníctvom (tiež) pohlcujúcich interaktívnych výstav jeho diel. Dnes „byť konfrontovaný s jeho znepokojujúcou trvanlivosťou znamená byť odzbrojený tvárou v tvár rozdielom v moci a bohatstve (.) A pomáha odrážať určité opakovanie tém v histórii,“ píše Megan 'O Grady o New York Times. Napríklad v júni tohto roku sprevádzali diela vytvorené v Los Angeles o niekoľko mesiacov skôr protesty na meno George Floyd. Teda slová „Kto si kúpi podvod?“ boli kulisou pre rady ľudí spútaných k múru pozdĺž Sunset Boulevard. Každý druh nespravodlivosti vyvolal skutky vypovedania, ale je tu žena dobyl hlavnú úlohu v jeho umeleckom diskurze. Začať z znehodnotenie krásy stereotypných ženských kánonov odhaliť psychologické tlaky, ktorými ženy často trpia - formy násilie súčasný, vyrovnaný a niekedy neviditeľný - Kruger sa pokúsil rozlúštiť tradičné posolstvá adv rozhovor (a rozhovor) s okoloidúcimi na verejných priestranstvách. Nie éterickej, dokonalej žene a áno slobodnej voľbe. Feministka? Áno, ale bez extrémov. Zbavilo manželstvo svojho spoločenského tlaku: je možné žiť život von z krabice matka-manželka-žena v domácnosti je možné čalúniť mesto s revolučnými myšlienkami, je možné mať inšpirácie, je možné nebyť v službách mužnosti, majetnosti, nadvlády a moci.

Okrem všetkých, dnes už dobre známych, tém Barbary, ktorú máme radi, si musíme položiť otázku, prečo konceptuálny umelec, stĺp analógovej grafiky, ktorý preložil nalepiť papiera a lepidla do umeleckého diela, je tak aktuálna aj v digitálnej dobe. „Zdá sa, že od 90. rokov sa všetko a nič nezmenilo,“ uviedla novinárka Megan 'O Grady. Namiesto toho za dvadsať rokov došlo k technologickej revolúcii, pravdou však je, že Barbara Kruger okrem toho, že predvídala dobu a vytvorila prvé memy v histórii, dala život krátkej správe - nie kvôli reklamným účelom, ale kvôli občianskym sentiment. Krátkosť, ktorú možno vyžaduje neustály nedostatok času, je dnes výzvou komunikácia: tweety s 280 znakmi, názvy pripravené na rozpustenie na internete, zlomený a rýchly jazyk. Krugerovo stručné, ale intenzívne posolstvo rešpektovalo a rešpektuje všetky kánony súčasného rozprávania. Z tohto dôvodu mnohí považovali jeho prácu za formu marketingu bez značky - ak nie za svoju. Umelkyňa to povedala feministkám hovoriť o feminizme bez sily obrazov je takmer zbytočné: je potrebné dať inú formu krásy alebo zrušiť svätorečenie, aby sa povedala druhá tvár ženskosti. Jeho komunikácia bola zbraňou, ktorou sa pokúsil anulovať dominanciu - a je aktuálna dodnes.

Kruger dnes učí na Kalifornskej univerzite - chráni svoje súkromie a pracuje bez asistentov, prakticky v americkej umeleckej bani. Keď sa s ňou reportérka Megan 'O Grady pokúsila urobiť rozhovor pre Veľkú záležitosť The New York Times Great, Kruger bola s blížiacim sa dňom rozhovoru čoraz zdržanlivejšia. A aké trápne je požiadať o portrét, aby som ilustroval kúsok niekomu, kto už dvadsať a viac rokov pracoval a stále pracuje pre rozobrať klišé obrazu! Z umeleckej produkcie Barbary Krugerovej sa zrodili príbehy a eseje ako ten na mužský vzhľad Laura Mulveyová, Vizuálne potešenie a naratívne kino (1975) - pravdepodobne inšpirovaný ženské poprsie vytesaný do kameňa s názvom „Bez názvu (váš pohľad mi bije do boku tváre)“, podpísané Krugerovo dielo z roku 1981.

„Stereotyp všetkého násilia“, „Nevinní. Nemáte sa čoho báť“, „Kto si myslí, že je?“ a znova „Nepotrebujeme ďalšieho hrdinu“, „Je to môj jediný účel?“, „Zdobí vaše väzenie“ - znovu a znovu potrebujeme nové slogany na reguláciu sociálnej, politickej a ekonomickej rovnováhy. Z tohto dôvodu Barbara Krugerová neprestáva vytvárať diela, ktoré hovoria o druhej strane (ženskej) mince.


GHISI, Theodore

GHISI, Theodore. - Narodil sa v Mantove v roku 1536, kde toho istého roku jeho otec Ludovico, obchodník pôvodom z Parmy, „investoval“ Spedale do vlastníctva domu v okrese Cigno, potom ho v roku 1576 a v r. 1590 (D 'Arco, II, s. 138 a nasl., 267).

V rozhodujúcich rokoch svojho vzniku bola Mantova mestom, ktoré v tieni gonzagského patronátu kardinála Ercola a vojvodu Guglielma malo stále veľa kultúrnych dlhov voči Giulio Romano, ktorý zomrel v roku 1546: niektorí majstri, ktorí v rôznej miere spolupracovali s ním alebo ktorí v každom prípade vyrastali v priamom kontakte s jeho dielami, udržiavali štýly a modely, čím živili vkus vojvodského dvora. Pri preklade a sprostredkovaní topoi giulieschi mala určitý význam dielňa Ippolita Costu, v ktorej sa popri rovnakom veku muselo dokončiť učňovské vzdelávanie G. a syna Ippolita, Lorenza, a nie toho druhého, pretože nechajte rozumieť prameňom (ibid., I, s. 78 s.). G. sa tak naučil používať lexikón preniknutý manieristickými príkladmi pozorovanými vo výsledkoch obrazového miesta katedrály, otvoreného v roku 1552, neskôr integrovaného s rímskymi inováciami, ktoré do Mantovy priniesol sám Lorenzo Costa, ktorý od decembra 1561 do ' Októbra 1564 spolupracoval s Federicom Zuccarim na výzdobe kasína Pia IV. A prehlboval sa prostredníctvom skúseností, ktoré získal počas svojich pobytov v Ríme, vo Fontainebleau a vo Flámsku od svojho brata Giorgia, ktorý má viac ako šestnásť rokov a je stále aktívny v umenie gravírovania. Spolupráca, ktorá viedla G. k poskytovaniu vynálezov graficky preložených jeho bratom, je dôsledkom vzťahu vzájomného vplyvu. Stalo sa tak pre rytinu zobrazujúcu Angeliku a Medoro, možno z chýbajúceho obrazu G., ktorá sa však raz nachádzala v súkromnej zbierke v Amsterdame (Thieme - Becker, s. 565), alebo pre tú s Venušou a Adonisom, že Giorgio odvodený z originálu G., stratený, ale zdokumentovaný v zbierkach Gonzaga do roku 1627 (Luzio, 1913, s. 95 a nasl.) A známy prostredníctvom anonymnej kópie v Musée des beaux-arts v Nantes. V Chatsworthe je zachovaná kresba pripisovaná G., ktorá sa týka detailov putta s králikom.

Na potvrdenie úzkych vzťahov s mantuánskym prostredím a najmä s Costou to nie je iba Svätá rodina so s. Giovannino z kostola S. Maria di Castello di Viadana, pocta juliánskym prototypom, vzťahujúca sa na koniec siedmeho desaťročia alebo najneskôr na začiatok ôsmeho, predovšetkým však oltárny obraz s Kristovým krstom, pretože ktoré dve platby do roku 1572, za oltár S. Giovanniho Battistu v palatínskom kostole S. Barbory ​​(Gozzi, 1974, s. 91).

Bol postavený na základe vôle vojvodu Guglielma za posledných desať rokov, počnúc koncom roku 1562, bol kostol dôležitým staveniskom, kde umelci pracovali pod vedením G. B. Bertani, architekt továrne a zodpovedný za výzdobu oltárov, možno aj za dodávku modelov pre maliarov. Obraz G., jedného z jeho prvých verejných diel, bol preto z kompozičného až štylistického hľadiska umiestnený do homogénneho cyklu, ktorého „rímske“ deklinácie boli čiastočne dôsledkom miestnej prítomnosti tapisérií so Skutkami apoštolov odvodené z karikatúr Raphaelesque a darované Guglielmom v roku 1569 palatínskej bazilike.

Ak sa G. pri krste Krista pridržiaval manieristickej maľby rímskych predkov, prejavil pri predstavovaní papagája s mimoriadnou jemnosťou pozornosť pri vykresľovaní naturalistických detailov. V tých istých rokoch stvárnil okrem iného na dvoch farebných kresbách papagáje prítomné v rezidencii vojvodkyne Eleonory Habsburskej na žiadosť Ulisse Aldrovandi, ktorá opísala eklektické múzeum vo vlastníctve G. a zriadila ho v malá miestnosť v budove Te. Tu bol platený ako „opatrovník“ (Belluzzi, s. 69) a od roku 1574 mal miestnosť na maľovanie (Rytiny ..., s. 20).

V roku 1872 bolo mantuánske oratórium S. Antonia potlačené a zničené. Medzi jeho vybavením patrili dva obrazy od G., Trojice medzi sv. Rocco a Sebastiano, ktorí sa teraz nachádzajú na obraze zachovanom v múzeu Castelvecchio vo Verone, podpísaní a datovaní rokom 1577, a Stretnutie Joachima a Anny, ktoré sa nachádzajú v zbierkach vojvodského paláca v Mantove. Najmä v jeho zložení je okrem obvyklých juliánskych vzorcov zaznamenaný silný severský pôvod, nepochybne kvôli blízkemu kontaktu s jeho bratom a jeho grafickej tvorbe. Ak sa potvrdí otcovstvo, mohlo by sa tiež datovať Kázanie baptistu pre mantuovský kostol v Ognissanti.

Okolo roku 1579 pôsobil G. v Carpi: v tento deň sa jeho meno objavuje v registroch milosrdného bratstva. Z obrazov vytvorených v Carpi, ktoré spomenul Campori (s. 243 a nasl.), Nanebovzatie Panny Márie pre kostol S. Giovanni Battista, Madona s dieťaťom so sv. Nicola a Lorenzo pre oratórium S. Nicoly sú teraz v kostole S. Rocco. V katedrále sa nachádza Vizitácia predvedená pre Luca Paolettiho, ktorej erb a iniciály sú v dobrej dolnej časti dôkazu: ide o dielo, ktoré je možné datovať, podobne ako u ostatných Carpi, do konca sedemdesiatych rokov , aj preto, že je veľmi blízka, pokiaľ ide o výkonnú techniku ​​a samotnú kompozičnú štruktúru, k maľbám z roku 1577, a najmä k stretnutiu Joachima a Anny.

Ukrižovanie a Svätí boli privedení späť na začiatok 80. rokov 20. storočia, teraz v kostole S. Martino di Treviglio, ale z Mantovy. Tu je lemovaná pevná plastickosť figúr, najmä v detailoch krajiny v pozadí, popisná žila, ktorá, vykreslená s osobitnou chromatickou notou miniaturistického typu, akoby pochádzala z činnosti vykonávanej G. v ilustračná oblasť vedecká - sú to miniatúry diela De omnium animalium naturis atque formis od Pier Candido Decembrio uchované vo Vatikánskej apoštolskej knižnici - a náboženské s deviatimi zachovanými miniatúrami liturgických kníh palatínskej baziliky sv. Barbory.

Maliarom zaplatený súdom (ktorý sa na neho obrátil so žiadosťou o radu v oblasti vojvodských zbierok) sa G. spolu s ďalšími umelcami zúčastnil na podniku, ktorý si priali páni z Mantovy, a začiatkom osemdesiatych rokov robil kópie portrétov rodinných postáv pre zbierka, ktorú vytvoril rakúsko-tirolský arcivojvoda Ferdinand, brat vojvodkyne Eleonory, bývalá v zámku Ambras a dnes v Kunsthistorisches museum vo Viedni. Jeho činnosť textára, podporovaná početnými komisiami Gonzaga, najmä v 90. rokoch, ho priviedla k vytvoreniu kópií pre rodinu Capilupi, ktorá je dnes už rozptýlená, zo série cisárov, ktoré namaľoval Tizian pre Federica Gonzagu. Lepšie identifikované (Tellini Perina, 1979) 243) a v máji 1590 opäť rad cisárov (Bertolotti).

Reorganizácia miest moci, ktorú presadzoval vojvoda Guglielmo, sa musí uskutočniť v rámci celkového politického programu: okrem vojvodského paláca aj hradu Goito, ktorý bol v priebehu 18. storočia zničený. Na výzdobe miestností sa podieľali „najslávnejší a najvyhľadávanejší maliari, ktorí ustupujú“ (A description…, s. 272). G., ktorý spolu s Ippolitom Andreasim pripravoval karikatúry v Palazzo Te, je zdokumentovaný v miestnosti Victory v Guglielmovom byte, kde vytvoril niekoľko obrazov dynastických historických predmetov, ktoré boli spoznané na veľkých plátnach hradu Opočno neďaleko ďaleko od Prahy: Prísaha Luigiho Gonzagu, boj medzi bratmi Ludovicom a Carlom Gonzagom a s pochybnejšou atribúciou (Berzaghi, 1985, s. 53), skutočnosť domu Gonzagovcov. Akcia umiestnená hlavne na prvom poschodí preplnenom malými figúrkami, určite splnila požiadavky programu dynastických slávností, ale bez zváženia najbližšieho a najslávnejšieho precedensu, ktorý pozostával z pláten Tintoretto pre nové miestnosti požadované Guglielmom vo vojvodskom paláci.

Na konci roku 1587 bol G. ako umelec platený súdom povolaný do Grazu k štajerskému arcivojvodovi Karolovi II., Bratovi vojvodkyne Eleonory. Prvá dôležitá komisia videla G. zapojeného do vykonania Symbolum apostolorum, podpísaného a datovaného rokom 1588 a uchovaného v Landesmuseum Joanneum v Grazi.

Pri koncipovaní ako ilustrovanej stránky (bočné štvorce, niektoré alegorické, iné s Príbehmi o Kristovi, zvládajúce Slávu a stredný panel so Stvorením Evy), G. demonštruje všetky svoje vlastnosti: maliar, ktorý pri vykreslení dbá na naturalistické údaje zvierat vždy verných svojmu raphaeleskému klasicistickému pôvodu, od ktorého sa odvíja väčšina schém použitých v menších paneloch ľahkej miniaturistickej žily opatrných na zhromažďovanie flámskych vplyvov zručného rozprávača. Prijatie schémy „tajomstiev“ ruženca uľahčilo deklarovaný didaktický zámer maľby, čím súhlasil s požiadavkami arcivojvodu, ktorý sa vo svojom štáte angažuje v diele katolíckej obnovy.

Obraz musel zodpovedať očakávaniam klienta, a to natoľko, že v tom istom roku 1588 pracoval G., ako to pripomína aj nápis namaľovaný na klenbe, v honosnom mauzóleu, ktoré dal postaviť arcivojvoda Karol pre seba a pre jeho manželka Maria di Baviera, pripojená k bazilike v Seckau. Za výzdobu vďačí G., hoci mal pomoc, kde sa všetky návrhy Raphaelesqueho a dokonca Corresqueho matice redukujú na gramatické vzorce, až po kodifikované rétorické topoi.

Maľby dvoch krížových klenieb, ktoré tvoria strop s Nanebovzatím Panny Márie a Triumfom kostola, sú dielom G., oltárny obraz s Premenením Pána lemovaný stĺpmi, na ktorých sú štyria evanjelisti vyobrazení olejom na omietke a veľkým panelom. na bočnej stene nad kenotafom s epizódou Sinite parvulos. Skutočný rodinný portrét, pre ktorý bola použitá archaická, ale efektívna parataktická schéma, predstavuje námet, ktorý je zároveň zachytený na plátne zachovanom v Joanneum v Grazi a súčasne vykonaný G., i keď s väčšou kompozičnou slobodou. Jedna z kompozičných charakteristík G. však zostáva konštantná, a to zrušenie medzilehlých úrovní, ktoré vytvára medzeru medzi horizontom a rovinami bezprostredne blízko k pozorovateľovi.

G. ešte pre dvor namaľoval v roku 1587 portréty arcivojvodov, ktoré už boli stratené, a fresky dvornej kaplnky v Grazi, ktoré si Morpurgo (s. 54 a na strane LXXXIX) už na mieste nepamätal. Aj keď mu Karol II. V roku 1589 poskytoval rentu 100 florénov ročne, G. bol v roku 1590 späť v Mantove. Kontakty s Grazom však neprestali, ak sa v roku 1599 vojvoda z Mantovy Vincenzo prihovoril u G., aby pre arcivojvodkyňu Máriu skopíroval obraz Luca Longhiho, ktorý videla v opátstve S. Benedetto di Polirone (Luzio, 1913, s. 95).

Niektoré neregistrované maľby, ktoré sú k nemu odkazovateľné a ktoré bezprostredne nasledujú po jeho návrate do Mantovy, sú silne ovplyvnené skúsenosťami, ktoré dospeli G. v Štajersku, a predovšetkým určitým archaizmom zobrazenia. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


Video: Changement de Civilisation? Interview de Marc Luyckx Ghisi